Die Zukunft von Kasachstan und Zentralasien liegt in den Händen und Köpfen der Künstler, sagt der preisgekrönte Architekt Asif Khan
ASTANA – Das Gespräch mit dem Architekten und multidisziplinären Künstler Asif Khan und seiner Frau, der kasachischen Architektin Zaure Aitayeva, fand unter den weißen Pavillons der Islamischen Kunstbiennale in Dschidda früher in diesem Jahr statt. Der westliche Terminal des Hajj-Flughafens, der zu einem kreativen Raum für die Biennale umgestaltet wurde, bot eine ruhige Atmosphäre, um über Leben, Kunst und Architektur zu sprechen. Bei Sonnenschein, der sanfte Muster durch die offenen Strukturen wirft, sprach Khan offen über seine Reise, die Rolle von Erinnerung und Gefühl in seinen Werken und das gemeinsame Engagement für die Gestaltung kultureller Räume wie dem Tselinny Center in Almaty.
Der britische Architekt Khan ist weit bekannt für die Schaffung des UK-Pavillons auf der Expo 2017 in Astana, inspiriert vom Thema der Großen Steppe und Klangwellen. Khan wurde 2017 mit dem Member of the Order of the British Empire (MBE) für Verdienste um die Architektur ausgezeichnet.
Hier ist das Interview mit Herrn Asif.
Können Sie Ihre Inspiration teilen, die Architektur mit sensorischer Erfahrung und kulturellem Austausch zu verbinden?
Ich habe einen Großteil meiner Kindheit sehr aufmerksam auf meine Umgebung verbracht. Aufgewachsen neben dem Horniman Museum in London wurde ich ständig von den Texturen, Klängen und Gerüchen verschiedener Kulturen und Geschichte umgeben. Es war eine der frühen Erfahrungen, die mir geholfen haben, sensibel dafür zu werden, wie physischer Raum mit sensorischer Wahrnehmung interagiert.
Diese Sensibilität ist mir mein ganzes Leben erhalten geblieben und steht heute im Mittelpunkt meiner Arbeit. Architektur kann für mich eine Brücke zwischen Menschen und ihrer Umgebung sein. Mich interessiert, was ein Raum Sie fühlen und tun lässt. Die Textur einer Wand, das Echo von Schritten, der Geruch der Luft, das Licht, das durch die Fenster fällt. Diese sensorischen Erfahrungen sind integraler Bestandteil des kulturellen Austauschs, da sie mehr als nur Informationen vermitteln – sie rufen Emotionen, Erinnerungen und Verbindungen hervor. Diese Erinnerungen machen jeden von uns einzigartig und inspirieren die Kreativität in uns. Ich möchte den Menschen helfen, solche Erfahrungen zu machen.
Über die Schönheit im Design
"Ich glaube, dass Schönheit in ihrer grundlegendsten Form in der Natur und in Erfahrungen verwurzelt ist, die das Individuum transzendieren. In meinen Designs versuche ich, in diese tiefen, ursprünglichen Gefühle einzutauchen – wie das Gefühl der Erleichterung, wenn man nach einem langen Spaziergang an einem heißen Tag endlich einen kühlen Bach erreicht. Die Schönheit des Geräuschs von Wasser, das über Steine fließt, und die Art und Weise, wie das Sonnenlicht auf seiner Oberfläche tanzt, verbindet sich mit etwas in uns allen. Ich glaube, dass diese Verbindung universell ist, ob man in der Wüste, im Wald oder in einer Stadt ist. Schönheit ist für mich nicht nur ästhetisch, sondern eine geteilte, fast spirituelle Erfahrung, die uns zu etwas Zeitlosem und Elementarem zurückführt."
Welche aufkommenden Trends oder Technologien in der Architektur begeistern Sie am meisten und wie integrieren Sie sie in Ihre Projekte?
Ich mache mir keine besonderen Gedanken über Trends, aber ich finde es faszinierend, wie Technologie genutzt werden kann, um die menschliche Erfahrung zu vertiefen. Es ist wichtig zu bedenken, dass Technologie nichts Neues ist. Das Rad, die Jurte, der Bogen – all diese waren einmal neue Technologien, die unser Leben verändert haben. In meiner Praxis versuche ich, zeitgenössische Technologien sorgfältig einzusetzen, um die menschliche Erfahrung zu verbessern, ohne sie zu überwältigen. Es geht darum, Lösungen zu schaffen, die mit der Natur und der Geschichte arbeiten, nicht dagegen. Die eigentliche Herausforderung besteht darin, ein Gleichgewicht zwischen Innovation und Tradition zu finden. Ich glaube nicht, dass die Zukunft alle Antworten haben wird – manchmal kommen die tiefgreifendsten Lösungen, wenn man zurückschaut, wenn man lernt, wie alte Zivilisationen wie die Ägypter Strukturen gebaut haben, die uns heute noch beeindrucken.
Über die Schaffung des Glas-Qur’an
"Es gibt eine Idee im Qur’an, die die Natur Gottes nicht nur als Licht (Nur), sondern als Nūr ʿalā Nūr ‚Licht über Licht‘ beschreibt. Ich finde das sehr kraftvoll. Versuchen Sie, sich vorzustellen, wie ‚Licht über Licht‘ in Ihrem Kopf aussieht. Sie könnten an die Grenzen Ihrer Vorstellungskraft stoßen, mit dieser Idee knapp außerhalb Ihrer Reichweite. Ich denke, das ist das Wunder des Universums. Es ist wirklich so weit über die menschliche Wahrnehmung hinaus, dass es uns erkennen lässt, wie klein wir sind. Vielleicht ist Licht, in seiner reinsten Form, sowohl eine physische als auch eine spirituelle Erfahrung.
Der Qur’an als spiritueller Text wurde schon lange mit Licht in Verbindung gebracht – sei es im Licht des Verstehens oder im Sinne der göttlichen Erleuchtung. Mit dem Glas-Qur’an wollte ich etwas schaffen, das schwebt zwischen der materiellen Welt und dem metaphysischen. Indem ich jede Seite aus extrem dünnem Glas hergestellt habe, kann das Licht durch den gesamten Qur’an hindurchreisen und jedes Wort gleichzeitig erleuchten, auch wenn er nicht geöffnet ist. Ein Teil dieses Lichts reflektiert auf uns zurück, und ein Teil des Lichts reflektiert zurück ins Universum. Ich betrachte es wie das Universum, das mit sich selbst spricht, oder der Schöpfer spricht zu uns, seiner Schöpfung."
Welche Rolle spielte der arabische Kalligraf Uthman Taha im künstlerischen Prozess und wie haben seine Beiträge das Wesen des Stücks verbessert?
Die kalligrafische Arbeit ist fundamental für das Werk. Sie fügt Rhythmus, Klarheit und eine tiefere Schönheit hinzu. Da das Erscheinungsbild des Werkes durch die Überlagerung von 604 Seiten Text entsteht, erfordert es absolute Perfektion in der Geometrie und Präzision, damit der Betrachter keine Ablenkungen innerhalb der Verbindung von Hunderttausenden Buchstaben hat.
Der Beitrag von Uthman Taha war grundlegend. Seine Kalligrafie gilt als eine der lesbarsten und perfektesten modernen Versionen des Qur’an-Arabisch. Ich wollte, dass die Worte selbst ein Teil des physischen Raums werden.
Sie haben den Glas-Qur’an beschrieben, der kulturelle und sprachliche Grenzen überwindet. Welche Reaktionen haben Sie bei Menschen beobachtet, die das Werk auf der Biennale erleben?
Es war bewegend zu sehen, wie universell die Menschen sich mit dem Werk verbunden haben. Der Glas-Qur’an scheint Menschen aus verschiedenen Lebensbereichen anzusprechen – Muslime und Nicht-Muslime gleichermaßen. Er scheint die Spaltungen von Kultur und Sprache zu überwinden, und es war beflügelnd zu hören, wie Menschen aus allen Hintergründen beschreiben, wie es mit ihnen resoniert. Ich habe Menschen mehrmals kommen sehen, um das Werk immer wieder zu erleben, oft bringen sie Freunde oder Familie mit. Das ist die Art von Reaktion, die ich mir erhofft habe – ein Stück, das persönlich und zugleich universell zugänglich ist.
Das Tselinny Center ist Kazakhstans erste unabhängige kulturelle Einrichtung. Was inspirierte Sie, dieses Projekt anzunehmen, und wie sehen Sie es dabei, die kulturelle Landschaft Zentralasiens zu prägen?
Meine persönliche Geschichte mit dem Tselinny Center begann im Jahr 2017 auf der Weltausstellung in Astana, wo ich den UK-Pavillon präsentierte, und sogar davor, als ich im Rahmen des Designprozesses meine Recherchen zur Kultur der Großen Steppe durchführte. Die Weite der Landschaften, die Philosophie der nomadischen Zivilisationen, über den Horizont hinaus zu wagen, ihre Bewegung im Einklang mit den natürlichen Zyklen – das fand ich faszinierend, in meiner Arbeit zu erkunden und durch sie mit anderen zu teilen.
In diesem Jahr traf ich meine zukünftige Frau Zaure, die damals Chefarchitektin der Astana Expo war. Zu dieser Zeit stellte sie mich Jama Nurkaliyeva vor, die das Astana Contemporary Art Center (ACAC) bei der Expo leitete und später zur Direktorin des neuen Tselinny Center of Contemporary Culture in Almaty ernannt wurde. Es war eine siebenjährige Reise von geteilten Visionen über die Veränderung der Perspektiven auf Kunst, Architektur, Geschichte und öffentliche Diskurse. Ich habe immer geglaubt, dass Künstler eine zentrale Rolle bei der Gestaltung der Zukunft einer Gesellschaft spielen. Ob durch bildende Kunst, Film, Musik oder Tanz sind sie es, die die Grenzen dessen, was wir uns vorstellen können, erweitern, und dadurch die Grenzen der Gesellschaft selbst dehnen.
Tselinny repräsentiert einen neuen Horizont für Künstler in Kasachstan, einen Ort, an dem sie die alten Denkweisen herausfordern und neue Wege beschreiten können. Meine brillante kasachische Architektin Frau war von Anfang an maßgeblich an diesem Projekt beteiligt und glaubte an die Bedeutung dieses neuen kulturellen Ortes, um zu erheben, zu inspirieren und zu heilen. Ihr Glaube daran, dass wir eine neue Art von Architektur für Almaty entdecken können und dass dies ein Katalysator für Künstler und kreative Talente in der Stadt sein kann, hat mich tief mit dieser Sache verbunden gehalten. Ich denke oft an uns als Tengri und Umai – die Vereinigung der kreativen Kräfte des Himmels und der Erde in der nomadischen Kosmologie. Während wir Inspiration im ursprünglichen Land und seiner vielschichtigen Geschichte fanden, gab es auch einen Traum, dass Tselinny eine grenzenlose Leinwand ist, die einlädt, neue Geschichten, Traditionen und Träume hinzuzufügen.
Das Tselinny Center wird in meinen Augen ein Symbol für das Potenzial der Region sein – ein Ort, an dem neue Ideen geboren werden können und an dem Geschichte neu gedacht werden kann.
Wie balancieren Sie die Bewahrung der historischen Essenz des Tselinny Center mit der Schaffung eines zeitgenössischen und innovativen kulturellen Raums?
Die historische Essenz des Tselinny Centers ist mit komplexen, kolonialen Erblasten belastet, und es war schwierig, sich vorzustellen, wie Kunst an einem Ort gedeihen könnte, der so von seiner Vergangenheit belastet ist. Das Gebäude selbst wurde in den 1990er und 2000er Jahren so stark verändert, dass es uns eine seltene Gelegenheit bot, es mit frischen Augen zu sehen. Es ist fast wie das Lesen eines Buches, dessen letztes Kapitel fehlt – wenn man sich vorstellt, was es sein könnte. Dies ermöglichte es uns, eine zeitgenössische, offen endende Vision des Raumes zu bringen, ohne die Einschränkungen seiner ursprünglichen Funktion. Wir haben hart daran gearbeitet, seine Geschichte zu respektieren, während wir es zu einem Ort gemacht haben, an dem Kunst frei und kühn, ungehindert von seiner Vergangenheit, agieren kann.
Über das Erbe von Tselinny
"Ich hoffe, dass das Erbe von Tselinny zeigen wird, dass es möglich ist, alte Strukturen, die als veraltet angesehen werden könnten, zu nehmen und neu als Räume für kulturelles Wachstum und künstlerische Exploration zu erdenken. Es geht auch darum, andere Städte und Regionen zu ermutigen, in neue Räume für Kunst und Kultur zu investieren, Räume, die Dialog und Austausch schaffen können, anstatt zerstören. Tselinny ist nicht auf einem westlichen Leitbild aufgebaut, es ist wirklich der Beginn seines eigenen Leitbildes. Eine alternative Zukunft Kasachstans und Zentralasiens liegt in den Händen und Köpfen der Künstler, und ich hoffe, dass Tselinny als Inspiration dafür dienen kann, wie wir unsere gemeinsame Vergangenheit nutzen können, um etwas Neues zu schaffen."
Mit einer Karriere, die verschiedene geografische Regionen und Medien umfasst, wie unterscheidet sich die Arbeit in Zentralasien von Ihren Erfahrungen in anderen Regionen wie dem Vereinigten Königreich oder Saudi-Arabien?
Jeder Ort, an dem ich arbeite, hat seine eigene einzigartige Landschaft, Kultur und Geschichte, und ich gehe jedem Projekt mit derselben Offenheit und Neugierde entgegen. Aber ich denke, was Zentralasien von anderen Regionen unterscheidet, ist das tiefe Gefühl der Geschichte hier, die Spannung zwischen Vergangenheit und Zukunft. Die Arbeit geht nicht nur um Design oder Architektur – es geht darum, die emotionale und kulturelle Landschaft zu entdecken und in diesem Ort zu existieren. Im Vereinigten Königreich zum Beispiel spüre ich oft das Gewicht der Geschichte als eine Reihe von Schichten, die abzuschälen sind. In Zentralasien gibt es eine andere Art von Rohheit, eine Möglichkeit, nach und nach Identität zu suchen und zu pflegen. Und diese persönliche Verbindung, diese Suche nach Bedeutung, treibt meine Arbeit hier an.
Welche Rolle spielen Sie glauben, spielen Architektur und Kunst dabei, Menschen mit ihrem spirituellen und kulturellen Erbe in der modernen Welt zu verbinden?
Kunst und Architektur sind vielleicht die beständigsten Mittel, die wir haben, um uns mit unserem innersten Selbst und unserer gemeinsamen Geschichte zu verbinden. Inmitten des Chaos des modernen Lebens – Krieg, Konflikte, ständiger Lärm – wird Kunst zur Zuflucht, zur Möglichkeit, sich durch etwas Ewiges zu verankern. Es ermöglicht es uns, mit unserer Vergangenheit in Verbindung zu treten, darüber nachzudenken, wer wir sind, und uns vorzustellen, wer wir werden können. Kunst ist im Kern eine Form der Spiritualität, eine Möglichkeit, sich ins Unbekannte zu strecken und durch diesen Prozess eine tiefere Wahrheit über uns selbst und unseren Platz in der Welt zu entdecken. Diese Verbindung zur Kultur und zum Erbe ist es, die uns letztendlich durch die Turbulenzen des modernen Lebens leiten wird.
Einige Auszeichnungen von Herrn Khan sind der Coca-Cola-Pavillon bei den Olympischen Spielen in London 2012, eine transparente Struktur aus biologisch abbaubaren Materialien. Sein Studio schuf auch den Hyundai-Pavillon bei den Olympischen Winterspielen PyeongChang 2018 und den Westpavillon der Eingangstore der Dubai Expo 2020.
Seine Werke wurden in der Serpentine Gallery, V&A Dundee, MAAT Lissabon, Vitra Design Museum, Royal Academy of Arts, Milan Salone, Milan Triennale, Federation Square Melbourne, London Design Week, Design Miami, Tokyo Design Week und der Sharjah Architecture Triennale ausgestellt.
Er erhielt den Architekten des Jahres 2018 des German Design Council und erhielt den Grand Prix des Cannes Lions 2014. Er erhielt den FX Award für herausragende Beiträge zur Architektur im Jahr 2024.
Mit solchen inspirierenden Ideen und Projekten setzt Asif Khan seine Arbeit fort, die kulturelle Landschaft zu formen und die Menschheit durch Architektur und Kunst zu verbinden.
